O.C: Los santos inocentes (1984)

¿De qué va?: Durante la década de los 60, en la España franquista, Paco y Régula forman, junto a sus tres hijos, una familia de campesinos a las órdenes de los señores del cortijo, aguantando toda clase de órdenes y humillaciones sin ninguna queja. La situación empieza a ponerse más tensa cuando se presenta Azarías, el hermano deficiente mental de Régula, y empieza a trabajar con ellos.

Reputación: Cuando el productor Julián Mateos leyó la novela Los santos inocentes de Miguel Delibes adquirió rápidamente los derechos para realizar su adaptación cinematográfica, y contactó con Mario Camus para que se encargara de su dirección. La elección del cineasta no fue casualidad, pues recientemente había cosechado un gran éxito con La colmena, adaptación de otro libro que guardaba varios elementos en común con el proyecto en cuestión. El rodaje se realizó entre las ciudades extremeñas de Mérida, Zafra y Alburquerque y su estreno se saldó con un rotundo éxito de taquilla para el cine español, con 3 millones de euros de recaudación. Obtuvo una gran repercusión internacional gracias a que se presentó en el Festival de Cannes y obtuvo el premio a mejor interpretación masculina, que compartieron Alfredo Landa y Paco Rabal. Cuando Rabal subió al escenario a recoger el premio y, a pesar de la prohibición de que los ganadores hablaran, se acercó al micrófono y susurró “¡Milana bonita!”, arrancando una gran ovación en el público.

Comentario: Historia de criados y señores que refleja la situación social de la España franquista, ambientada en un cortijo que muestra la jerarquización de los roles y un sistema casi feudal en el que los propietarios de la finca son tratados como reyes y sus trabajadores como el populacho que ha nacido para servir a sus superiores con fervor. A través de un ritmo pausado y un estilo hiperrealista vamos descubriendo la doble moral de los señores y la resignación de los campesinos, aunque hay cabida para la esperanza de que se produzca un cambio en las nuevas generaciones, que buscan algo más para sus vidas. Interpretaciones de órdago, (exceptuando a la hija mayor, que recita sus líneas con parsimonia), y un desenlace impactante redondean un filme tan áspero como valioso.

Próximo visionado: Los paraguas de Cherburgo (1964)

Animales heridos

Dir.: Niels Arden Oplev
Int.: Colin Farrell, Noomi Rapace, Dominic Cooper, Terrence Howard, Isabelle Huppert, F. Murray Abraham
¿De qué va?: Alphonse, un señor del crimen, vive amenazado por un asesino que está acabando con los miembros de su banda uno a uno. En medio de esta situación, uno de sus hombres, Victor, conoce a Beatrice, una misteriosa francesa que vive en el edificio de enfrente y por la que empieza a sentirse atraído. Pronto, Victor descubre que tiene más cosas en común con la chica de las que creía.

Reseña: ¿Cuántas veces nos habrá pasado eso de sentirnos estafados con una película que no superaba ni de lejos las expectativas que nos había creado su tráiler? Demasiadas. Pero… ¿Y el caso contrario? Hay ocasiones en las que los avances son tan torpes que te disuaden de ver el producto que sus responsables te están intentando vender y que incluso te lo pintan como algo totalmente diferente a lo que en realidad es. Esto pasa mucho con el cine español pero también con lo que nos llega de Hollywood, como es el caso de Dead Man Down (La venganza del hombre muerto), el desembarco americano de Niels Arden Oplev, director de la versión sueca de Los hombres que no amaban a las mujeres.

Fíjense cómo es la cosa que el tráiler español del filme se las arregla en el escaso minuto y medio que dura para destripar el argumento a la vez que hace un montaje rápido de las dos o tres secuencias de acción que componen el filme, dando la falsa sensación de que nos encontramos ante una cinta de acción en la línea de las muchas que Jason Statham estrena al año. Así, los fanáticos de la acción pura y dura se sentirán un tanto decepcionados cuando descubran que la historia tiene más que ver con el encuentro taciturno de dos almas mutiladas, que quizás encuentren en el otro la paz que intentan alcanzar sucumbiendo a sus ansias de venganza, que el clásico Shoot’Em Up que esperaban encontrar.

Aunque puede que también acaben interesados en la relación que se establece a través de palabras parcas, gestos sutiles y miradas inquisitivas entre un contenido Colin Farrell y una radiante Noomi Rapace, quien sigue estando igual de bella pese a que en la película se empeñen en retratarla como un ‘monstruo’ por las cicatrices de su cara. La conexión entre ellos se cocina a fuego lento ante la benevolente mirada de Isabelle Huppert, que encarna a la madre de ella. Son esos momentos de complicidad entre dos individuos atormentados los mejores de una película con ecos del tono gris, deprimente y oscuro de los thrillers provenientes de los países nórdicos.

Lástima que la historia, que gira en torno a un elaborado plan de la clásica venganza sangrienta y taimada, desemboque en uno de esos tiroteos que ilustraban el tráiler y que funciona tanto como peaje para introducir el filme en un ámbito más comercial como para resolver la trama de forma rápida, fácil y tan previsible como todo lo que concierne al personaje de Dominic Cooper. En definitiva, Dead Man Down no será una de las películas más recordadas del año pero tampoco merece un ninguneo absoluto.

6/10

Tráiler de Ain’t Them Bodies Saints y The Kings of Summer: Buscando libertad

Vamos con los tráilers de un par de películas presentadas en el pasado Festival de Cine Independiente de Sundance, donde cosecharon tal éxito que no tardaron mucho en encontrar distribución. La primera de ellas es Ain’t Them Bodies Saints, que es una adaptación al largo de un cortometraje de su director y guionista, David Lowery. Cuenta la historia de un bandido que, en la década de los 70, escapa de la cárcel a través del campo de Texas para reunirse con su esposa y su hija, a la que nunca llegó a ver. Sin embargo, en el camino tendrá que enfrentarse a un pasado que no deja de perseguirlo.

Rooney Mara (Efectos secundarios) Casey Affleck (Un golpe de altura), Ben Foster (Contraband), Nate Parker (El fraude) y Keith Carradine (Cowboys & Aliens) encabezan el reparto de un filme al que han emparentado con la sensibilidad del Terrence Malick de Malas tierras. Su estreno americano está fijado para el próximo 16 de agosto y aunque aún es pronto para la temporada de premios, habrá que tenerla en cuenta puesto que tiene detrás a la todopoderosa The Weinstein Company (The Artist, El discurso del rey). A continuación, el tráiler en versión original:

Cambiamos radicalmente de tono para hablar de The Kings of Summer, que aterrizará en la cartelera americana el próximo viernes 31 de mayo Se trata de la ópera prima de Jordan Vogt-Roberts, uno de los responsables de la web de sketches humorísticos Funny or Die!, y cuenta la historia de tres chavales que hartos de sus progenitores deciden fugarse al bosque, donde construyen una casa y empiezan a vivir siendo dueños de su propio destino, aunque pronto se darán cuenta de que tal vez no están preparados para lo que les esperaba como ellos creían.

El reparto está prácticamente conformado por rostros conocidos de la televisión: Nick Robinson (Melissa & Joey), Gabriel Basso (The Big C), Moises Arias (The Middle), Nick Offerman (Parks and Recreation), Alison Brie (Community) y Megan Mullally (Will & Grace) entre otros. La película, que fue una de las que mejores sensaciones dejaron en Sundance, ha sido definida como un cruce entre Cuenta conmigo y Supersalidos. De momento no tiene programado ningún estreno fuera de Estados Unidos, así esperemos que no tarde en prodigarse. Les dejo con su teaser, que está muy bien, y su tráiler final:

 

A la vejez, viruelas

Dir.: Jake Schreier
Int.: Frank Langella, Susan Sarandon, Liv Tyler, James Marsden, Jeremy Strong, Jeremy Sisto
¿De qué va?: En un futuro no muy lejano, Frank es un viejo y solitario cascarrabias que se ganaba la vida como ladrón de guante blanco. Su rutinaria y tranquila vida se verá alterada cuando su hijo le regala un robot para que se encargue de cuidarle. A pesar del rechazo inicial, el anciano comienza a hacerse amigo de la máquina y a enseñarle algunas de sus habilidades secretas.

Reseña: Los primeros minutos de créditos finales en Un amigo para Frank vienen acompañados de imágenes reales de prototipos de robots realizando diferentes funciones y acciones. Por tanto, no es de extrañar que el futuro cercano que imagina la película no sea nada descabellado, sino reconocible y no muy diferente al actual, donde los libros impresos son sustituidos por los electrónicos, las videoconferencias llegan a nuestros hogares y se crean robots encargados de realizar las tareas más engorrosas para el ser humano, como cuidar de ancianos. Es horrible, lo sé, pero nadie debería llevarse las manos a la cabeza, pues todos conocemos, por experiencia propia, cercana o lejana, que muchos abuelos acaban siendo una carga para sus hijos y que, en el mejor de los casos, viven en residencias donde reciben visitas periódicas y, en el peor, son abandonados en gasolineras.

Un amigo para Frank reúne todos los ingredientes para atacar directamente al corazón, como Lejos de ella, Arrugas o Amor: el protagonista, Frank, es un anciano que aún puede valerse por sí mismo pero que empieza a padecer síntomas de Alzheimer. La llegada de un robot doméstico que tiene como objetivo cuidarlo y mejorar su calidad de vida no sólo le traerá algo de compañía a Frank, sino que le proporcionará un nuevo proyecto con el que poder sentirse realmente vivo e independiente otra vez. Tanto el director como el guionista, los debutantes Jake Schreier y Christopher Ford, son conscientes del material explosivo que tienen entre manos, pero sorprendentemente huyen del sentimentalismo fácil, optando por un término medio entre el humor ligero y el drama, cuyos dos puntos álgidos emocionan sin necesidad de subrayados innecesarios.

Otro logro del filme es que consigue que nos encariñemos con el peculiar dúo protagonista, cuyo debate sobre el olvido resulta ciertamente emotivo, sin tener que endulzar el carácter de Frank ni humanizar al robot. El primero es un viejo y testarudo pícaro interpretado por un magnífico Frank Langella y el segundo un robot, con la voz de Peter Sarsgaard en la versión original, que intenta ganarse la confianza de su dueño sin salirse de las leyes robóticas . Langella no tiene ningún problema en sostener todo el peso de la película él solito con una actuación tan contundente como contenida, aunque para ello cuente con la estupenda réplica de Susan Sarandon y la de los esporádicos James Marsden y Liv Tyler, esta última felizmente recuperada para el cine tras varios años de inactividad.

Un amigo para Frank no calará hondo entre el gran público acostumbrado a dramas que cargan las tintas para sobrecoger al personal, pero se ganará el corazón de una buena cantidad de espectadores por su sensibilidad (que no sensiblería), su genuina ternura apoyada por la estupenda partitura compuesta por Francis and the Lights, y por cumplir a la perfección con la regla no escrita de que la ciencia ficción debe trazar una parábola de la sociedad actual, en este caso, sobre la pérdida de contacto físico con las personas más cercanas. Nunca hemos estado tan conectados y distanciados al mismo tiempo.

8/10

O.C: La sombra de una duda (1943)

¿De qué va?: A la tranquila ciudad de Santa Rosa, en California, llega Charlie, un inteligente, cariñoso y elegante individuo que es sumamente admirado por su familia y en especial por su sobrina Charlie, que se llama igual que él. Poco a poco y tras los sucesos que irán acaeciendo, esta última comienza a sospechar que su venerado tío lleva una espeluznante doble vida.

Reputación: La sombra de una duda es considerada por muchos como la primera película verdaderamente americana de Alfred Hitchcock, puesto que a pesar de ya haber rodado varias películas en Hollywood ésta es la primera protagonizada por personajes típicamente estadounidenses. Para lograr ese tono yanqui, el cineasta contrató los servicios del dramaturgo Thornton Wilder, famoso por mostrar la vida de una pequeña ciudad en Our Town, y éste a su vez tomó como base una idea del novelista Gordon MacDonell, al que se le ocurrió la historia de un asesino que vuelve a la casa de su familia. No obstante, Hitchcock también contó con la ayuda de su esposa, Alma Reville, y de la periodista Sally Benson para pulir el guión. Hitchcock manifestó en más de una ocasión que La sombra de una duda era, de todos sus filmes, el que él prefería. Quizá porque, como apuntó Truffaut en su libro El cine según Hitchcock: “Nos encontramos ante la película más autobiográfica de su carrera, en la que quedan plasmadas todas sus influencias literarias, culturales y personales”. La historia de Stoker, actualmente en cartelera, está ligeramente inspirada en esta película.

Comentario: Pese al cariño que le tenía Hitchcock a La sombra de una duda, no es de sus películas más recordadas y admiradas. Eso no quita que sea otra muestra más de su sobresaliente forma de dirigir, de su habilidad a la hora de manejar el suspense (la forma de colocar elementos y detalles que ganarán importancia posteriormente) o de su buen ojo para componer planos. Sin embargo, hay algo por lo que la película se encuentra un escalón por debajo de sus obras maestras, como Vértigo, Rebeca o Los pájaros. Tal vez sea porque su historia no tiene tanta garra como aquellas o porque no acabamos de simpatizar con su heroína al no entender del todo su forma de actuar y, en cambio, hasta podemos sentir simpatía por su siniestro tío, cuyo personaje queda dibujado a la perfección (gran escena en la que justifica sus actos de forma indirecta). Con todo, una muestra más de las muchas que hay sobre la maestría de Hitchcock, quien ya demostraba muchos años antes de Psicosis que tenía especial interés por el desconocido lado oscuro del hombre corriente.

Próximo visionado: Los santos inocentes (1984)

Hermosa decadencia

Dir.: Baz Luhrman
Int.: Leonardo DiCaprio, Tobey Maguire, Carey Mulligan, Joel Edgerton, Elizabeth Debicki, Isla Fisher, Jason Clarke
¿De qué va?: Nick Carraway, un aspirante a escritor, llega a Nueva York en la primavera de 1922, una época de bonanza económica y deslumbrante jazz. Nick tiene como vecino a un misterioso vecino que da muchas fiestas, Jay Gatsby, y al otro lado de la bahía residen su prima Daisy y su mujeriego marido, Tom Buchanan. Así es como Nick se verá envuelto en el encantador mundo de los supermillonarios, sus ilusiones, amores y engaños.

Reseña: Para empezar quiero dejar una cosa clara: No he leído El gran Gatsby. Como soy español y no yanqui, a mí lo que me obligaron a leer en el colegio fue Lazarillo de Tormes, y tampoco he visto la adaptación cinematográfica protagonizada por Robert Redford y Mia Farrow porque no es que esté muy bien valorada precisamente. Pero sí que me conozco muy bien la escueta filmografía de Baz Luhrman y entiendo por qué el director ha querido hacer su versión de la obra de F. Scott Fitzgerald. Y pongo énfasis en el ‘su’, porque nos encontramos ante la particular visión del cineasta sobre la historia a través de su forma de hacer películas, de enfocar esos amores románticamente trágicos, y como bien saben tanto sus numerosos admiradores como detractores, su fuerte no es ni el intimismo ni la sutileza.

En realidad, la estructura narrativa de El gran Gatsby no difiere demasiado de la de Moulin Rouge, la cual se sigue manteniendo como la mejor obra de Luhrman, la que mejor ha canalizado su estilo: un escritor, destrozado por los acontecimientos, exorciza sus demonios escribiendo sobre los acontecimientos que le llevaron hasta este estado, una pasional historia de amor (esta vez vista desde la barrera) en medio de un ambiente de lujo, fiestas y desfase condenado a expirar. Cambiamos el molino rojo por la luz verde de un faro y ¡voilá! Luhrman ya tiene excusa para dar rienda suelta a su excesos visuales. Dicho así parece algo negativo, pero nada más lejos de la realidad: salvo por los efectos visuales forzados para justificar el 3D (esas letras flotantes…) el resto es una suerte de excesos destinada a recrear unos locos años 20 desmesurados donde brilla el diseño de vestuario y la recargada ambientación. Incluso la banda sonora, que mezcla sonidos modernos con los propios de la época, encajan a la perfección en el conjunto, como ya ocurrió en Moulin Rouge, y vendería muchos discos si la película se hubiera estrenado hace 10 0 15 años.

Una vez más, Leonardo DiCaprio realiza una interpretación irreprochable, dotando de un gran carisma, atractivo y profundidad a su Gatsby; incluso se desenvuelve bastante bien en las escasas escenas cómicas, que es un territorio desconocido para el actor. Carey Muligan está estupenda como su candoroso y ambivalente objeto de deseo y ambos tienen bastante química, pero el doblaje en español de ella deja bastante que desear. Tobey Maguire no está mal pero se queda un tanto ensombrecido frente a sus compañeros de reparto, donde destaca el buen hacer de Joel Edgerton, Jason Clarke e Isla Fisher y sobre todo el gran descubrimiento del filme: Elizabeth Debicki, quien con su elegancia y gracia tan sofisticadas nos deja con ganas de ver más de su personaje.

Del mismo modo que los excesos de Luhrman suponen un incentivo, también juegan en su contra: un metraje excesivo de 140 minutos del que se podría recortar del principio, al que le cuesta arrancar; sus subrayados, ya sea con secuencias espectaculares sin razón de ser (el accidente de coche visto desde diferentes ángulos y a cámara lenta) o en algunos de sus diálogos y narración en off, demasiado pegada a su referente literario; y por último, su historia de amor, que no es del todo potente porque Luhrman se empeña en recrearse en un romanticismo que no es tal; la búsqueda del amor perfecto no es más que el símbolo que utiliza la historia para hablar del sueño americano, del poder de la ambición, del materialismo vacío y de hacer lo que sea por conseguir un sueño que acarrea más infortunios que alegrías.

7/10

Tráiler de Don Jon: Las adicciones de un Don Juan Moderno

Con 32 años, Joseph Gordon-Levitt (Looper) presenta su ópera primera como director y guionista, Don Jon, una comedia que también protagoniza junto a Scarlett Johansson (Hitchcock), Julianne Moore (La sombra de los otros), Tony Danza (Crash) y Brie Larson (Scott Pilgrim contra el mundo). El personaje que encarna Levitt parece una mezcla entre el de Ryan Gosling en Crazy, Stupid, Love y el de Michael Fassbender en Shame, pues es un chulito de gimnasio cuya mayor afición es ligar con tías en la discoteca y… ver porno. Sin embargo, intentará convertirse en una mejor persona cuando se queda prendado de una choni de barrio con las curvas de la Johansson.

La película se presentó en el pasado Festival de Sundance con una acogida bastante calurosa, lo cual le vino de perlas para que Relativity Media se hiciera rápidamente con sus derechos de distribución por 4 millones de dólares. Su estreno americano está programado para el próximo 18 de octubre, aunque de momento no tenemos fecha para España. Por ahora nos conformamos con su tráiler, estupendamente editado y muy divertido, como promete ser la película. Si prestan atención podrán ver los cameos que realizan un par de actores muy conocidos, amigos personales de Joseph Gordon-Levitt:

La dificultad de pasar página

Una de las últimas películas que parecen condenadas a salir en España directamente en DVD y dentro de un par de años es Celeste and Jesse Forever, presentada en el Festival de Sundance del año pasado y nominada a mejor primer guión en los Independent Spirit Awards. El filme sigue la estela de comedias románticas del cine independiente americano como (500) días juntos, ¡Olvídate de mí!, Beginners o Como locos que han realizado un acercamiento honesto hacia las relaciones amorosas actuales, lejos de los lugares comunes y la pirotecnia de lo que se suele cocinar en Hollywood.

Celeste y Jesse son amigos y amantes desde tiempos inmemoriales. Pero años después de contraer matrimonio la relación va a peor y deciden divorciarse. No obstante, su intención es mantener su amistad, y por ello, Jesse sigue viviendo en el estudio de la casa que compartían y siguen haciendo cosas juntos. Todo cambia cuando deciden empezar a salir con otras personas, y es que hay una cuestión que ronda durante toda la historia y que seguro que muchos nos hemos planteado alguna vez aunque parezca sacada de una revista para adolescentes: ¿Se puede ser amigo de tu ex?

En Celeste and Jesse Forever distingo dos películas diferentes: una, la que más me interesa, va sobre una chica que cuando se da cuenta de que ha perdido al amor de su vida, eso que todos conocemos como ‘media naranja’, ya es demasiado tarde para arreglarlo. Lo único que se puede hacer es asumir los errores, aprender de ellos y continuar adelante, pero no le resulta nada fácil al ver que él está rehaciendo su vida más rápido, que ya no parece ser el mismo que conocía y al percatarse de que resultará complicado alcanzar el mismo nivel de complicidad que tenían (esas chorradas y bromas privadas que nadie puede entender) con otra persona. Todas estas cosas se transmiten a la perfección gracias a la complicidad y el buen hacer de Rashida Jones y Andy Samberg, ambos salidos de las dos mejores canteras de actores cómicos de la televisión americana (ella de Parks and Recreations, él de Saturday Night Live).

Y luego está la otra película, la que hace concesiones al cine comerical y pone a su heroína (también co-guionista), en situaciones que la convierten en una nueva Bridget Jones, incidiendo en su torpeza y teniendo citas surrealistas de las que sólo ocurren en la ficción. Esta película también se esfuerza en demostrar lo enrollada que es dándole a Elijah Wood el papel del amigo gay opuesto al estereotipo, puesto que le resulta forzado exteriorizar su condición sexual, e introduce una visión irónica de la industria musical con una cantante interpretada por Emma Roberts que resulta ser una mezcla de Britney Spears y Lady Gaga. Gracias, está bien, pero no era necesario.

Así que puede que Celeste and Jesse Forever no esté a la altura de las películas comentadas en el primer párrafo pero sigue estando por encima de la media del género por intentar hacer las cosas de forma diferente al clásico esquema del “Chico conoce a chica”, por su franqueza y porque se posiciona en contra de la existencia de las medias naranjas. Puede que las haya, pero podemos tener más de una a lo largo de la vida sin que la anterior haya tenido que ser amarga.

6’5/10

Sin pecado concebido

Creador: Brad Falchuk, Ryan Murphy
Int.: Jessica Lange, Sarah Paulson, Evan Peters, Zachary Quinto, James Cromwell, Lily Rabe, Lizzie Brocheré, Joseph Fiennes
Emisión: 2012-2013, FX y FOX
2ª temporada

Nunca le dedico a una serie más de una entrada (de momento), pero American Horror Story es un caso aparte dada su particular naturaleza, más cercana al formato de miniserie. Cada temporada es una historia completamente nueva, manteniendo tan sólo entre una y otra algunos miembros del reparto en papeles diferentes y la fusión de diferentes elementos del imaginario de terror popular. Durante la primera temporada acompañamos a la familia Harmon en su periplo por una casa que había albergado tragedias y terroríficos secretos durante varias generaciones, mientras que en Asylum viajamos a los años 60 para descubrir los horrores de Briarcliff, una institución mental dirigida con mano férrea por la Hermana Jude, y en la que empiezan a ocurrir sucesos extraños tras la llegada de un joven al que acusan de ser un asesino de mujeres.

Como va a resultar inevitable hacer comparaciones entre una temporada y otra voy directamente al grano: Asylum es mucho mejor que su predecesora. Briarcliff resulta un lugar más lúgubre y espeluznante que la vivienda maldita de los Harmon y la mezcla de símbolos y figuras clásicas del terror más disparatada y atractiva: posesiones demoníacas, asesinos en serie, nazis, criaturas deformes e incluso alienígenas forman parte de una historia entretenidísima y atractiva que se desarrolla a través de diferentes subtramas que convergen y se separan mientras se van desvelando giros y sorpresas de infarto a buen ritmo. La serie sigue sin resultar tremendamente terrorífica, salvo quizás para los más aprensivos, pero el apartado artístico es notable, manejando con inteligencia la iconología que coge prestada de numerosos referentes.

Otro aspecto en el que Asylum ha salido ganando es en el reparto, con los estupendos fichajes de James Cromwell, Chloë Sevigny y Lizzie Bocheré (Joseph Fiennes me sigue pareciendo tan inexpresivo como en Flashforward pero tampoco estorba) y dando papeles de mayor envergadura a intérpretes ya conocidos de la serie como Sarah Paulson, Evan Peters, Lily Rabe y Zachary Quinto, todos realmente geniales en sus distintos roles, sin olvidar las sorprendentes y pequeñas aportaciones de Frances Conroy, Franka Potente y Dylan McDermott. Los responsables de la serie se percataron de que Jessica Lange había sido lo más memorable de la anterior temporada, y por eso le han dado un papel con mayor protagonista en esta entrega. La Hermana Jude es un personaje tan potente como Constance y Lange ha sabido sacarle el máximo provecho a través de la meteórica evolución que sufre a lo largo de la historia, llegando a su punto álgido en un número musical sin ningún desperdicio.

Sólo tengo dos reproches importantes para Asylum. El primero es la subtrama de los alienígenes, no cuadra del todo con el conjunto y es demasiado confusa, mientras que el segundo es la forma en la que termina la historia. Sus tres últimos capítulos están centrados en atar los cabos sueltos en las historias de los tres personajes protagonistas, en una especie de epílogo alargado que queda un tanto descolgado de todo lo visto anteriormente por el tremendo cambio de ritmo que se produce, pese a que consiga recuperarse un poco en el desenlace. Algo similar me pasó también en la anterior temporada pero desde el sexto capítulo, cuando el interés y la intriga bajaron de golpe.

Aún así, American Horror Story Asylum supone un paso adelante en la serie y una de las ficciones televisivas más divertidas del año, así que estaré pendiente de todo lo que acontece en la siguiente, de la que ya se sabe que llevará como subtítulo Coven, que girará en torno a las brujas de Salem y que reunirá a un reparto plagado de caras conocidas (Jessica Lange, Evan Peters, Taissa Farmiga, Sarah Paulson) y fichajes estelares (Kathy Bates, Gabourey Sidibe, Angela Bassett…). Si se mantiene el nivel, seguro que tenemos historias de terror americanas para unos cuantos años más.

Sobre un atropello mortal, un submarino y un cocinero ambulante

- No sé cómo lo hace, pero James Franco lleva un extenuante ritmo de trabajo. Otras estrellas de Hollywood también acumulan muchos proyectos en su agenda pero pocos se llegan a materializar. No es el caso del protagonista de Spring Breakers, que presentará en Cannes durante los próximos días As I Lay Dying, su último trabajo como director, y ya prepara el siguiente. Se trata de la adaptación cinematográfica de la novela The Garden of Last Days de Andre Dubus III (quién también participará como actor). El filme nos contará las historias de tres personajes que se cruzan: una stripper, interpretada por Emilia Clarke (Juego de tronos), que lleva a su hija de 3 años al trabajo, un individuo que es expulsado del local y un extranjero que está a punto de cometer algo terrible. El rodaje arrancará en Nueva York el próximo 8 de julio.

La producción del filme no llevará mucho tiempo, pues el 15 de agosto Franco comenzará a rodar en Montreal Every Thing Will Be Fine, drama que dirigirá Wim Wenders (Pina) en 3D y con Sarah Polley (Splice. Experimento mortal) también en el reparto. El actor interpretará a Tomas, un escritor que atropella a un niño, provocando su muerte. Durante los siguientes años veremos cómo ese accidente afecta a la vida de Tomas y a la de la madre del pequeño (Polley). Por cierto que también se dice que Franco podría sustituir a Jude Law en Queen of the Desert, el biopic de Gertudre Bell protagonizado por Naomi Watts y Robert Pattinson. Lo dicho, que este chico no para.

- Andrew Garfield (The Amazing Spider-Man) protagonizará Silence, un proyecto que Martin Scorsese (La invención de Hugo) ha tenido pendiente desde hace 23 años, lo cual le acarreó una demanda de un productor por incumplimiento de contrato. Ahora el cineasta se encuentra en Cannes buscando financiación para el filme, basado en una novela de Shûsaku Endô que versa sobre dos sacerdotes que en pleno siglo XVII viajan a Japón para averiguar si el mentor de uno de ellos se ha convertido en un apóstata, descubriendo así la terrible realidad de los cristianos que viven en dicho país. Ken Watanabe (Shangai) también se dejará ver en la película cuyo rodaje arrancará el próximo mes de junio.

- Michelle Williams (Oz, un mundo de fantasía) ha recibido una oferta para protagonizar una nueva versión cinematográfica del musical South Pacific de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II que a su vez se basa en la novela de James A. Michener. Además, la intención de sus productores es que Hugh Jackman (Los Miserables) y Justin Timberlake (Golpe de efecto) también se sumen a su elenco. La obra original cuenta la historia de una enfermera (Williams) del ejército de los Estados Unidos que durante la II Guerra Mundial se enamoraba de un jardinero francés (Jackman). Al mismo tiempo, un teniente (Timberlake) se quedaba prendado de una nativa de Tonkín.

- Jude Law (Efectos secundarios) protagonizará Black Sea, thriller de aventuras que dirigirá Kevin Macdonald (La legión del águila). El actor británico encarnará al capitán de un submarino que es despedido por la empresa de salvamento para la que trabajaba. Es entonces cuando decide unirse a un misterioso individuo que quiere encontrar un submarino hundido en el Mar Negro que podría estar lleno de oro. Para llevar a cabo la misión reúnen a una tripulación de marineros rusos e ingleses, pero la desconfianza entre ellos va en aumento cuando se acercan a su objetivo.

- Lee Pace (Lincoln) ha sido fichado para encarnar al villano de Guardians of the Galaxy, que podría ser el telequinético conocido como The Controller, aunque no ha sido confirmado (curiosamente, Pace fue uno de los candidatos a interpretar al protagonista de la película). De esta manera, se une a un reparto en el que ya figuran Chris Pratt, Zoë Saldana, Dave Bautista, Michael Rooker y otra nueva incorporación cuyo rol se desconoce, Ophelia Lovibond (Los pingüinos del Sr. Poper). James Gunn comenzará a rodar el filme el próximo mes de junio con vistas de estrenarla en Estados Unidos el 1 de agosto de 2014.

- La producción de Jane Got a Gun, protagonizada por Natalie Portman, se ha encontrado con un problema más (y van…): Bradley Cooper ha tenido que apearse por un conflicto de fechas con la gira promocional de R3sacón, pero los productores ya le han encontrado un sustituto: Ewan McGregor (Jack el caza gigantes). McGregor encarnará al villano del filme, papel por el que ha pasado Joel Edgerton (que lo cambió por el de protagonista cuando Michael Fassbender se desentendió), Jude Law y el mencionado Cooper. A pesar de que esto no ha supuesto un retraso en el rodaje porque las tomas con este personaje no comenzarán hasta dentro de un mes, tantos problemas han provocado que algunos compradores se piensen dos veces el invertir en sus derechos de distribución.

- Keira Knightley (Anna Karenina) sustituye a Anne Hathaway en el reparto de Laggies, puesto que la reciente ganadora de un Oscar se ha caído del mismo al decantarse por Interstellar, lo nuevo de Christopher Nolan. Recordemos que Laggies es una comedia negra dirigida por Lynn Shelton (El amigo de mi hermana) sobre una mujer inmadura que se asusta tanto cuando su novio le propone matrimonio que decide esconderse durante una semana con su nueva amiga, una joven de 16 años. Chloë Grace Moretz, Sam Rockwell y Mark Webber completan el reparto.

- El director James Mangold y Reese Witherspoon volverán a trabajar juntos tras En la cuerda floja en Three Little Words, adaptación al cine de un libro de memorias de Ashley Rhodes-Courter al que también se podría sumar Amanda Seyfried (La gran boda). La autora del libro estuvo viviendo desde los 3 años en hasta catorce casas de acogida distintas. Witherspoon encarnará a una voluntaria que inicia la búsqueda de la madre biológica (Seyfried) de la ahora adolescente para que así permita que otros padres se queden con su patria potestad.

- El pasado mes de octubre les hablé de Into the Woods, la adaptación cinematográfica de un musical de Broadway que iba a dirigir Rob Marshall (Piratas del Caribe: En mareas misteriosas). Desde entonces no se supo nada del proyecto hasta ahora, pues parece que por fin se llevará a cabo. Para su reparto se confirman los nombres de Meryl Streep (Si de verdad quieres) y James Corden (Los tres mosqueteros) y se añaden los de Emily Blunt (Looper), Johnny Depp (Los diarios del ron), Christine Baranski (The Good Wife), Jake Gyllenhaal (Sin tregua) y Chris Pine (Esto es la guerra), aunque estos dos últimos de momento no han sido confirmados.

En cuanto a su argumento, se centra en un panadero (Corden) y su mujer (Blunt) que no pueden formar una familia debido a una maldición lanzada por una bruja (Streep), de ahí que deciden adentrarse en un bosque para enfrentarse a ella y romper el maleficio. En su viaje se encuentran con diversos personajes de clásicos cuentos de hadas, como es el caso de el lobo feroz (Depp), la madrastra de Cenicienta (Baranski) y los príncipes de Cenicienta y Rapunzel (Gyllenhaal y Pine respectivamente). El rodaje se iniciará durante el próximo otoño.

- Jon Favreau (Cowboys & Aliens) dirigirá, producirá y protagonizará Chef (no confundir con un proyecto homónimo con Bradley Cooper al frente), comedia independiente cuyo reparto se completa con los nombres de Robert Downey Jr. (Iron Man 3), Scarlett Johansson (Hitchcock), Sofía Vergara (Modern Family), John Leguizamo (La cazarrecompensas) y Bobby Cannavale (Parker). El filme gira en torno a un cocinero (Favreau) que pierde su trabajo. Debido a ello, decide vender su propia comida en una camioneta con el propósito de recuperar tanto el prestigio perdido como a su propia familia, de la que se había distanciado. Johansson encarnará a la gerente de un restaurante que se enamora del protagonista. El rodaje arrancará el próximo 8 de junio en Los Ángeles.

- Ya sabíamos que el próximo filme de Paul Thomas Anderson (The Master) sería Inherent Vice y que tendría a Joaquin Phoenix como protagonista. Ahora descubrimos que se han incorporado a su elenco Owen Wilson (El gran año), Benicio Del Toro (Salvajes), Reese Witherspoon, Martin Short (Santa Claus 3: Por una Navidad sin frío) y Jena Malone (Sucker Punch). El filme se desarrollará en la década de los 70, centrándose en la figura de Larry “Doc” Sportello, un detective de Los Ángeles que tiene que resolver el misterio del secuestro del acaudalado marido de su ex novia.

- Acabamos con el actor que encarnará finalmente a El Cuervo: Luke Evans (Immortals). Al parecer, el intérprete era el favorito para hacerse con el papel desde el principio por encima de competidores como Tom Hiddleston y Alexander Skarsgard, pero su apretada agenda le impedía unirse a la producción. Al final, los productores y el director, F. Javier Gutiérrez (3 días) han decidido retrasar el rodaje hasta comienzos de 2014 para poder contar con la participación del actor. Recordemos que la película se basará en The Crow, el cómic de James O’Barr donde se relata la historia de Eric Draven, un hombre que tras ser asesinado regresa de la tumba con poderes sobrenaturales para vengarse de las personas que no sólo acabaron con su vida sino también con la de su novia.

Aprendiendo a intimar

Al igual que hay películas que parecen estar preconcebidas para ganar premios también hay papeles que funcionan como pasaporte para conseguir un Oscar. Normalmente los mejor valorados suelen ser personajes históricos que requieran muchas sesiones de maquillaje y un cambio de acento (Lincoln, La dama de hierro, Truman Capote…) o de los que compensan algún tipo de discapacidad con un gran afán de superación (Forrest Gump, Mi pie izquierdo…). John Hawkes interpreta en Las sesiones a Mark O’Brien, un periodista y poeta tetrapléjico que a los 38 años decidió contactar con una terapeuta sexual para perder la virginidad.

Su papel reunía todas las cualidades de un nominado al Oscar y, sin embargo, se quedó fuera del quinteto finalista. ¿Le pasó por ser desconocido? Ya fue nominado hace unos años por Winter’s Bone así que esa excusa no vale. ¿Es que no lo hace bien? Para nada; Hawkes se mimetiza por completo con el personaje, sin sobreactuar, y cae simpático desde el primer minuto. ¿Entonces cuál es el problema? Yo creo que la auténtica razón de su ausencia en la terna es que su interpretación no cuenta con una de esas escenas en las que el personaje explota, llora y grita maldiciendo su enfermedad. ¿Es eso algo malo? En absoluto. El guión del filme no se permite ninguna escena para mostrar condescendencia respecto a la afección de su protagonista, no lo compadece, y en cambio se decanta por dotarlo de un gran sentido del humor, sano y autoparódico.

Su otra gran virtud es su modo de enfocar el tema del sexo, tan honesto, íntimo y natural como se muestra una desacomplejada Helen Hunt, a la que no veíamos tan resplandeciente desde Mejor… imposible. Aunque esta franqueza sexual tiene truco, pues a John Hawkes no se le ve nada de cintura para abajo. A Las sesiones se le nota su deje buenrollista con una galería de secundarios tremendamente amables y simpáticos (los únicos que podrían resultar negativos desaparecen en pocos minutos) pero como celebración de la vida y del despertar sexual de Mark O’Brien resulta enternecedor, sincero, agradable y optimista.

7/10

O.C: Danzad, danzad malditos (1969)

¿De qué va?: En la Estados Unidos de la Gran Depresión se organiza un maratón de baile al que se apunta una gran multitud desesperada que sueña con conseguir el premio de 1500 dólares que se le entrega a la última pareja que se mantenga en pie. Mientras los concursantes fuerzan los límites de su resistencia física y psíquica, un público morboso se divierte contemplando su sufrimiento durante días.

Reputación: Una de las primeras películas dirigidas por Sidney Pollack, basada en la novela ¿Acaso no matan a los caballos? de Horace McCoy. Este autor, que había escrito numerosas historias pulp en revistas populares, se inspiró para sus novelas en su propia vida como ciudadano americano en medio de la Gran Depresión. Poco apreciado en su país, no obstante fue muy bien recibido en Francia, a través de las reivindicaciones de Jean-Paul Sartre y de Simone de Beauvoir, que resaltaron la actitud existencialista de los personajes de sus novelas, especialmente de ésta. Pollack decidió adaptar su novela al cine porque, aunque estaba ambientada en los años 30, su contenido crítico hacia la sociedad cuadraba perfectamente con la situación de Estados Unidos en aquel momento, con la Guerra de Vietnam en pleno auge. El filme sigue teniendo a día de hoy el dudoso honor de ser la película con más nominaciones a los Oscar, nueve, sin que la categoría de mejor película sea una de ellas. Al final ganó sólo uno, el de mejor actor de reparto para Gig Young por su formidable interpretación del presentador del concurso. Las otras nominaciones fueron mejor director, actriz protagonista y de reparto para Jane Fonda y Susannah York respectivamente, guión adaptado, dirección artística, montaje, música y vestuario.

Comentario: El título original de la cinta, ¿Acaso no matan a los caballos?, parece extraño en un principio pero cobra todo el sentido tras el visionado de la película. Aún así, Danzad, danzad malditos no es una mala traducción porque engloba toda su esencia: una contundente crítica al capitalismo cuyas víctimas no son otras que los pobres desgraciados a los que les ha tocado pertenecer a los estratos más bajos de la pirámide social. El inhumano maratón de baile de esta película tampoco difiere demasiado de los reality shows de hoy en día en los que todo es válido con tal de mantener la atención del espectador. Pollack consigue transmitir el abatimiento y la claustrofobia que se respira en ese pabellón donde los concursantes se juegan su futuro sufriendo y bailando para las masas. En definitiva, una película durísima por su pesimista visión de cómo está montado el mundo pero muy necesaria y oportuna ayer, hoy y seguro que mañana también.

Próximo visionado: La sombra de una duda (1943)

La flor del mal

Dir.: Park Chan-wook
Int.: Mia Wasikowska, Matthew Goode, Nicole Kidman, Dermot Mulroney, Jacki Weaver, Alden Ehrenreich, Phyllis Somerville
¿De qué va?: El día en el que India Stoker cumple 18 años su padre muere en un trágico accidente de tráfico. En su funeral, India conoce a Charlie, el hermano de su padre cuya existencia desconocía y que decide hacerse cargo de ella y de su inestable madre. A medida que va conociendo a Charlie, India se empieza a dar cuenta de que su llegada no es fruto de la casualidad.

Reseña: Hollywood siempre anda a la caza de talentos internacionales de prestigio para levantar algunos de sus proyectos. El problema llega cuando los estudios quieren interferir en la visión de los cineastas, provocando que el resultado se asemeje más a un trabajo de encargo que a una película que lleve un auténtico sello personal. Párense un momento a pensar cuántos directores extranjeros que han trabajado en Estados Unidos vuelven a repetir la experiencia. Muy pocos. Park Chan-wook es el último talento importado desde el cada vez más influyente mercado asiático y aun sin saber si ha quedado satisfecho con su aventura americana, al menos el resultado es tan digno que eleva los estándares del cine de suspense contemporáneo.

Stoker también es conocida por partir de un guión del actor Wenworth Miller, el protagonista de Prison Break, y aunque no figure en los créditos conviene tener en cuenta que el librero fue pulido por Erin Cressida Wilson, autora de Chloe, Retrato de una obsesión y Secretary. Desconociendo hasta qué punto se ha mantenido intacta la historia ideada por Miller, lo cierto es que Stoker bebe de las fuentes de Hitchcock (premisa casi idéntica a La sombra de una duda) y, aunque guarda apuntes similares sobre la obsesión y los mecanismos de seducción a los vistos en los filmes de la segunda guionista, la película es ante todo el retorcido paso de la infancia a la madurez de una chica que se descubre a sí misma  gracias a la influencia de un individuo tan enigmático como cautivador. Sin embargo, si no fuera por la atípica evolución de su personaje protagonista, el filme no pasaría de ser un thriller del montón de desarrollo evidente y con ciertas lagunas narrativas.

Y ahí es donde interviene el director para que la cinta suba de categoría. Park Chan-wook se muestra como un virtuoso del lenguaje fílmico al utilizar todos los recursos que tiene a su disposición para convertir la película en un sombrío poema sobre la belleza de la violencia. Nunca repite un plano, todos son diferentes: angulados, subjetivos, picados, contrapicados, travellings… La composición de la imagen es digna de estudio y el juego de luces, la fotografía y el sonido también son exprimidos al máximo para recrear el ambiente turbador que posee la historia, la cual también sale beneficiada de un trabajo de edición magnífico, sobre todo a la hora de usar flashbacks y acciones paralelas. La película cuenta con secuencias memorables, como el prólogo/epílogo, la sesión de piano a cuatro manos o la escena de la ducha.

Mia Wasikowska entiende a la perfección la complejidad y la psique de India y por ello realiza una interpretación sobresaliente que sin duda será una de las más recordadas de su aún incipiente carrera. Matthew Goode también se muestra muy solvente moviéndose entre el encanto y la inquietud que transmite su personaje, y aunque por cuestiones de guión Nicole Kidman no pueda lucirse tanto como sus dos compañeros de reparto, aprovecha cualquier oportunidad para demostrar que sigue siendo muy grande (además de ser una una actriz muy generosa). En definitiva, aunque en algunos momentos Stoker transite por los caminos trillados del telefilme de sobremesa consigue erigirse como una de las propuestas más sugestivas de lo que va de año gracias a la maestría de su comandante, capaz de convertir el bronce en oro.

7’5/10